Судьба коллекций братьев Щукиных сложилась довольно драматично, поскольку ни одна из них не сохранилась в своём первоначальном виде. 150 картин нынче находятся в Санкт-Петербургском Эрмитаже и Московском Государственном музее изобразительных искусств им. Пушкина. А в 2019 году мне довелось посетить выставку Дмитрия, Петра, Сергея и Ивана Щукиных в ГМИИ. В экспозицию вошли произведения Моне, Ренуара, Сезанна, Гогена, ван Гога, Матисса, Пикассо, Дега, Дерена, Эль Греко, Руссо, Дени, Писсарро, Томаса Кея и других мастеров. Коллекция, разделённая в 1948 году между московским и петербургским музеями, на этой выставке ненадолго воссоединилась.
Дмитрий заранее решил, что его собрание достанется Румянцевскому музею, и ещё при жизни регулярно передавал туда картины. После революции он не уехал, а остался со своей коллекцией, преобразованной в Первый музей старой западной живописи. Более 120 картин старых мастеров в 1924 году вошли в состав Музея изящных искусств. Собрание Дмитрия Щукина называли «краеугольным камнем» созданной в музее картинной галереи. Новая власть, однако, не испытывала благодарности к коллекционеру. Ослепшему к концу жизни Дмитрию была назначена нищенская пенсия и выделена комната в конфискованном особняке его брата в Знаменском переулке.
Братья Щукины принадлежали к поколению коллекционеров и меценатов, сформировавшихся во второй половине XIX века. Выходцы из купеческой старообрядческой среды, они почитали не только национальные традиции, но были открыты для восприятия как общеевропейской культуры, так и новых художественных тенденций во французском искусстве. Все братья обладали феноменальной художественной интуицией, и каждая из четырёх коллекций Щукиных отражала вкусы и пристрастия своего владельца.
Интересы Петра Щукина охватывали самые разные сферы искусства. Он покупал китайскую бронзу и фарфор, персидские ковры и японские ширмы, индийские миниатюры и турецкие ткани, а затем перешёл к собирательству древностей московской Руси. Со старинных индийских и персидских тканей его коллекции вышитые узоры переносились на ситцы мануфактуры Щукиных. В собрании Петра нашлось также место импрессионистам, среди них был Ренуар с его «Обнаженной». Ещё при жизни коллекционер основал музей «Российских древностей» – икон, старинных портретов, прялок и серебряных пуговиц. Иван завещал свою коллекцию Национальной школе живых восточных языков, однако, вопреки завещанию, все ценные вещи музея были переданы в экспозицию Государственного исторического музея в Москве.
Судьба другого собирателя ценностей — Ивана Щукина — оказалась трагической. Он решил не заниматься семейным бизнесом и уехал в Париж, где преподавал в Национальной школе живых восточных языков и основал художественно-литературный кружок «Щукинские вторники», который посещали Чехов, Мережковский, Бенуа и Волошин. Опыт Петра как коллекционера начался с символистов и импрессионистов. Именно он познакомил с их творчеством Петра и Сергея в 1898 году. Охладев к современному искусству, Иван начал составлять коллекцию старых мастеров и увлёкся испанцем Эль Греко. В коллекции Ивана числилась также «Сирень на солнце» Клода Моне. К сожалению, его страсть к высокому искусству привела его к банкротству. На берлинском аукционе 1907 года некоторые лоты оказались подделками. Лучшие же холсты ушли за гроши, поскольку парижские маршаны — посредники между покупателями и художниками — сбивали цены. После распродажи коллекции Ивану не удалось рассчитаться с долгами, и в 1908 году он покончил жизнь самоубийством.
Дмитрий Щукин был рафинированным эстетом и собирателем старых мастеров – Ван Дейка, Кранаха. Днём он посещал музеи и галереи, вечером погружался в книги и каталоги аукционов. Оставшись холостяком, он жил замкнуто и не стремился демонстрировать своё собрание публике. О любви Дмитрия к голландским живописцам XVI века, изображавшим скромную повседневность, свидетельствовали интерьеры его особняка. Тяжёлые резные шкафы и буфеты с серебряными кубками, миниатюрой, майоликой и другими сокровищами казались сошедшими с натюрмортов Питера Класа и Виллема Калфа. Его внимание привлекали и произведения французов галантного века. Особенно он ценил полотна кабинетного формата. Даже архитектурные пейзажи Юбера Робера, обычно представленные в коллекциях русских аристократов монументальными панно, у него были маленькими и камерными.
Сергею Щукину принадлежит выдающаяся роль в собирании художественных произведений. Он начал с кубистических картин Пикассо и только потом обратился к его «голубым» и «розовым» полотнам. Он представил творчество художника в развитии, с его решительным переходом от одной манеры к другой. Период 1900-1903 годов в его творчестве, когда художник жил между Парижем и Барселоной, получил название «голубого».
Впервые Пикассо появился в Париже в 1900 году. Вскоре им было создано небольшое полотно «Свидание», на котором он представил двух обнимающихся людей, изображённых художником выразительными цветовыми пятнами. Все второстепенные подробности в картине опущены, что заставляет зрителей уловить намёк на некую драму в будущем. Пикассо часто посещал дома для сумасшедших, больницы для проституток, наблюдал и зарисовывал увиденные им сцены. Его парижские впечатления позволили художнику передать ощущение безысходности, драматизм существования тех, кто стоял на нижних ступенях социальной лестницы.
К лучшим работам молодого испанца принадлежат «Любительница абсента», «Портрет поэта Сабартеса» и «Старый еврей с мальчиком». Образ своего друга, испанского скульптора и поэта, Пикассо запечатлел в картине «Портрет поэта Сабартеса», который вспоминал:
«Пикассо написал меня таким, каким увидел в кафе… я был поражён, увидев себя таким, каким он поймал меня в какое-то мимолётное мгновение моей разнообразной жизни. Я пристально смотрю на холст и объясняю себе то, чем я внушил беспокойство моему другу: это спектр моего одиночества, видимый снаружи, мой взгляд растворяется по тьме, которую я не могу пронзить, моя мысль ускользает; мысль и взгляд соединяются в пустоте, чтобы потеряться там, потому, что мой взгляд — взгляд близорукого человека, и мысль моя не может этого преодолеть…»
В картине «Старый еврей с мальчиком» изображены нищие — старик и мальчик, воплощающие в себе два наиболее беспомощных возраста — детство и старость. Слепой старик и прижавшийся к нему мальчик, который тоже кажется слепым — настолько неподвижны его глаза. Оба одеты в лохмотья и закутаны в старое одеяло. Из-под порванных брюк видны исхудалые ноги нищего. Нечёсаная борода, повязанные старым платком волосы, впалые щеки — всё свидетельствует о бедности. На этом холсте выражены вся горечь и несправедливость мира. Картина написана в 1903 году в Барселоне и является одной из самых характерных полотен знаменитого «голубого» периода.
«Розовый» период в творчестве художника продолжался с переезда художника весной 1904 года в Париж до 1906 года. Переход от резкой тёмной манеры к нежным, едва расцвеченным произведениям в голубовато-розовой гамме прекрасно иллюстрируют «розовые» полотна: «Семья странствующих комедиантов», «Испанка с острова Майорка» и «Мальчик с собакой». Для меня творчество Пикассо всегда было связано с кубизмом. Однако, познакомившись с его работами «голубого» и «розового» периодов, я стала совершенно иначе ценить этого художника. Он стал мне значительно ближе.
Большое место в коллекции Сергея Щукина занимало творчество Анри Матисса. В его праздничную, ликующую живопись коллекционер был влюблён по-настоящему, веря, что за ней будущее. Это требовало смелости, поскольку Матисс был главой фовистов, шокирующих публику своими яркими красками, самым радикальным художником Европы до появления Пикассо. Фовизм считается первым авангардным стилем ХХ века.
Страсть к творчеству Матисса оказалась настолько сильной, что Сергей Щукин купил у парижского живописца тридцать семь полотен. Он приобретал их непосредственной в мастерской художника, оставляя за собой не только законченные, но и едва начатые работы. Многие из них были написаны по прямому заказу Щукина: двухметровое панно для столовой «Красная комната», «Статуэтка и вазы на восточном ковре», «Испанский натюрморт», «Севильский натюрморт». Красочные картины Матисса были собраны в Розовой гостиной коллекционера. В размещении полотен принимал участие сам художник, проведший в Москве осенью 1911 года целую неделю. Розовая гостиная превратилась в любимый зал хозяина особняка.
В Москву прибывали всё новые и новые картины Матисса, преображая Розовую гостиную в райский сад или экзотическую оранжерею. Картина «Дама на террасе» была написана Матиссом летом 1906 года. В центре изображена жена художника Амели: она вглядывается вдаль, сидя на балконе дома с видом на бухту Коллиура и окружающие ее холмы. Матисс пишет картину в нежно-розовой тональности, передающей атмосферу жаркого летнего дня, и для контраста вводит зелёный цвет. Позже Матисс вспоминал о фовистском этапе своего творчества: «Поместить рядом голубой, красный, зелёный, соединить их экспрессивно и структурно. Это было не столько результатом обдуманного намерения, сколько прирождённой внутренней потребностью». Последним полотном художника в коллекции Сергея стал «Портрет жены художника».
Монументальную композицию «Красная комната» мастер называл «декоративным панно». Художник начал писать картину под названием «Гармония в голубом», взяв в качестве образца декоративную ткань с голубыми узорами. Однако накануне Осеннего салона 1908 года в Париже он неожиданно переписал её, придя к выводу, что в красном цвете картина выглядит значительно эффектнее. Цвет для Матисса являлся основным выразительным средством, и его красный на полотне как бы излучает жизненную энергию. Красный цвет заполняет пространство комнаты и женскую фигуру и превращает полотно в декоративный ковёр. Изображение окна, в котором видны яркая зелень и деревья, придаёт холсту объёмность.
В начале 1911 года, после путешествия в Испанию, Матисс начал работу над полотнами, впоследствии названными «симфоническими интерьерами», два из которых — «Мастерская художника» и «Красная мастерская» — представляли обстановку студии художника. Помимо этих картин, в особняке Сергея висели также панно «Танец» и «Музыка», крупные полотна с изображением интерьеров — «Семейная сцена», «Красная комната» и «Арабская кофейня». Картина «Танец» является наиболее из них известной. Коллекционер сначала был готов отказаться от приобретения картины, не принятой публикой, однако затем всё же решился на покупку. Я тоже не воспринимаю эту картину как художественный шедевр, и я не перестаю удивляться этому выбору Сергею Щукину, в своё время очарованному ею.
Матисс предпочитал использовать для выражения своих эмоций не форму, а цвет, полагая, что именно таким образом можно создать произведение, интересное зрителю. Это ярко проявилось в полотне «Красные рыбки», которое Матисс написал в 1912 году. На картине перед зрителем предстаёт живописная часть террасы или оранжерея. Фоном для небольшого стола, на котором расположился аквариум с плавающими в нём красными рыбками, служат яркие цветы и сочная зелень листьев. Художнику удалось передать состояние спокойствия, наступающего при созерцании аквариума с рыбками. Нигде в мире довоенный период его творчества не был так полно представлен, как в нашей стране.
Покупать Гогена и Сезанна Сергей начал одновременно. Своего первого Сезанна с его характерными апельсинами и лимонами на белой крахмальной скатерти он приобрёл в 1903 году. Следом за «Фруктами» появился натюрморт «Букет цветов в вазе», ещё только предвещавший сезанновскую конструкцию формы, выстроенную цветом. Затем в Москву прибыл знаменитый шедевр «Пьеро и Арлекин», на котором изображены традиционные персонажи итальянской комедии. Моделями для энергичного Арлекина и меланхоличного Пьеро послужили сын художника Поль и его друг Луи Гийом. Их фигуры, контрастирующие друг с другом по характеру и одежде, выписаны с исключительным художественным мастерством. Землякам Щукина, приходившим на Знаменку, эти персонажи казались необычайно смелыми и авангардными, хотя Сезанн написал картину ещё в 1888 году.
«Пейзаж в Эмске», один из последних в творчестве Сезанна видов любимой им горы Святой Виктории, оказался в Москве в конце 1906 года. Когда я смотрела на эту картину под разными углами, то мне казалось, что в гущи зелени я вижу женские лица. На этой картине, как и на висевших на Знаменке полотнах «Дама в голубом», «Автопортрет», «Мужчина, курящий трубку», выросло и отточило своё мастерство целое поколение «сезаннистов» — художников группы «Бубновый валет». Мне понравилось исполнение всех этих картин, но лицо дамы, изображённой на картине «Дама в голубом» вызвало у меня неприятие.
Пик увлечения живописью Гогена пришёлся на самую трагическую пору жизни Сергея Щукина. В 1906 году, проводив в мир иной своего младшего сына, он купил картину «А, ты ревнуешь?». После новой трагедии – скоропостижной кончины любимой жены – «Королеву» и огромный холст «Сбор плодов». Входивших в просторную столовую дома Сергея Щукина буквально ослепляли «жёлто-оранжевое пламя», «сладость розового цвета» и «голубая пышность синевы». Полотна Гогена в богатых золотых рамах висели вплотную друг к другу и напоминали иконостас. Усилиями Сергея в Москве была собрана одна из лучших в мире коллекций художника, тогда как даже после смерти Гогена многие собиратели и зрители за рубежом, за редким исключением, ещё долго демонстрировали своё равнодушие к нему.
Собрание новой французской живописи, которое Сергей Щукин сформировал между 1898 и 1914 годами, также не имело равных себе в мире. Для России решение коллекционера покупать эти работы было дерзким вызовом преобладавшему в стране пониманию искусства. В доме Щукина гостей потрясали полотна импрессионистов, о которых тогда в России мало кто знал и которые почти никто не видел. Главным его увлечением в течение нескольких лет сделался Клод Моне. Собрание художника началось в 1898 году с приобретения картины «Скалы в Бель-Иль». В ней море заполняет собой почти всё пространство. Художник сумел передать энергию водной стихии, искрящиеся блики на её поверхности, пенящиеся волны, с брызгами разбивающиеся о скалы. Импрессионисты стремились писать чистыми красками, не смешивая их на палитре. Они отказались от глухих тёмных тонов, используя эффекты живописи от оптического смешения чистых красок, положенных рядом на полотно.
Со временем Сергей стал покупать самые последние вещи Моне, в которых цвет делался всё более условным, а полотна из запечатлённой действительности постепенно превращались в красочные симфонии. В собранную за пять лет коллекцию Клода Моне вошли образцы самых знаменитых серий художника.
Излюбленной темой творчества художника была природа. Его пейзажи неповторимы, а изображённые на них люди буквально сливаются с природой. На пике карьеры художника им была написана картина «Дама в саду». Её полное название «Дама в саду Сент-Адресс». На полотне изображена элегантная женщина в белом, гуляющая в цветущем саду. Красота этой картины вызвала во мне чувство восхищения.
«Роман» Сергея с импрессионистами подошёл к концу в ноябре 1904 года, когда в особняк на Знаменке прибыли две картины: только что написанные «Чайка. Река Темза в Лондоне. Здание Парламента» и совсем ранний «Завтрак на траве». Один из критиков называл его собрание историей его увлечений: коллекционер никогда не возвращался к «пройденному». Отступление от правил произошло лишь однажды. В 1912 году он приобрёл несколько великолепных полотен у брата Петра, который охладел к импрессионистам. Мне нравятся картины импрессионистов. Из представленных на выставке особенно хочется отметить полотна «Обнажённая» и «Девушки в чёрном» Ренуара.
В 1912 году Сергей Щукин в очередной раз поразил всех, привезя в Москву шесть работ «наивного» художника Анри Руссо, прозванного по его прежней профессии Таможенником. Коллекционер безошибочно почувствовал, что живопись, скованная тысячелетней традицией с её готовыми приёмами, требует обновления, которое принесут ей «первобытные» африканские резчики или «воскресные» живописцы-самоучки.
Последним фаворитом Сергея Щукина стал Андре Дерен. Его увлекла необычность манеры художника, сочетавшего в своём творчестве кубизм и примитивизм. Дерен был представлен в галерее шестнадцатью полотнами. Его первую картину коллекционер купил в 1910 году, а вскоре увлёкся художником всерьёз и начал покупать одну работу за другой. В собрании Сергея появился фантастический пейзаж «Порт», а в 1912 году он приобрёл «Натюрморт с черепом».
Но настоящим шедевром «готического периода», вдохновлённого искусством Средневековья, считается картина «Суббота». Идея картины навеяна впечатлениями Дерена от атмосферы дома священника близ Кагора, снятого художником летом 1912 года. На картине представлена типичная бытовая сцена — в полутёмной комнате хозяйка отдаёт распоряжения служанке, третья женщина занята шитьем, из окна комнаты видны дома и деревья. На столе с зелёной скатертью стоит кофейник и блюдо с фруктами, в центре композиции – раскрытая книга или молитвенник. Современники свидетельствовали, что Дерен долго работал над картиной, внося в нее бесконечные изменения.
В Монтрей-сюр-Мер Андре Дерен приезжал летом 1909 года, где написал «Дома у воды. Монтрей-сюр-Мер». В небольшом старинном городке на севере Франции художника не привлекли достопримечательности и памятники средневековья. Он написал несколько видов живописного изгиба протекающей через город реки со стоящими на ней мельницами. В картине «Старый мост» на фоне горного пейзажа художник изобразил перекинутый через речку арочный мост, отражающийся в воде.
Андре Дерен был неутомимым экспериментатором и постоянно находился в поиске, не задерживаясь на каком-либо стиле слишком долго. Импрессионизм, фовизм, неоклассика, готические мотивы – это лишь неполный перечень его исканий. На осеннем Салоне 1905 года художник становится одним из основателем нового течения – фовизма. Когда Дерен сближается с Пикассо, в его творчестве начинают проявляться черты его недолгого увлечения кубизмом, что наглядно видно в картине «Старый город в Кань». Кань-сюр-Мер – небольшой городок, расположенный на Юге-Востоке Франции. Дерена привлек Верхний Кань – историческая часть города, возвышающаяся на холме ближе к Альпам. Старинные здания с остроконечными крышами, теснящиеся на средневековых улочках с вечнозелёными растениями, идеально выписаны его излюбленной цветовой гаммой. Это типично кубистическое полотно я рассматривала с удовольствием, хотя принимаю далеко не все произведения этого направления в искусстве.
Сергей Щукин планировал передать своё собрание в Третьяковскую галерею, однако в 1918 году его коллекция была национализирована, и в результате картины оказалась в Государственном музее изобразительных искусств им. Пушкина. Сегодня эта великолепная коллекция радует знатоков и любителей живописи, благодарных щедрому собирателю и ценителю искусства, позволившему им увидеть подлинники великих мастеров.
Посещение выставки оставило у меня неизгладимое впечатление. Я была рада увидеть собранные вместе сокровища европейских мастеров. Имена некоторых художников, таких, как Андре Дерен, Морис Дени, Томас Кей, я не знала и их картины увидела впервые. С полотнами других художников я была хорошо знакома, но снова с удовольствием всматривалась в знакомые образы.
______________________________
*Иллюстрации коллажа в верхнем и нижнем рядах слева направо:
1. Пабло Пикассо. «Портрет поэта Сабартеса»
2. Анри Матисс. «Красная комната»
3. Анри Матисс. «Красные рыбы» («Золотые рыбки»)
4. Поль Сезанн. «Пьеро и Арлекин»
5. Поль Сезанн. «Гора Святой Виктории» («Пейзаж в Эксе»)
6. Андре Дерен. «Старый город в Кань»
7. Андре Дерен. «Суббота» («Субботний день»)
8. Клод Моне. «Дама в саду»
9. Клод Моне. «Скалы в Бель-Иль» («Пирамиды Порт-Кота, бурное море»)
Алла Валько.
